Humor, color y expresividad al límite. Así podríamos describir la obra de Álvaro Tapia, un creativo chileno que hoy comparte con nosotros sus andaduras en el sector del diseño. A caballo entre el pop art, el expresionismo y bajo la influencia de artistas como LS Lowry o Francis Bacon, su estilo tiene un sello propio que se ha consolidado gracias al esfuerzo, al talento y a la pasión que Álvaro le dedica cada día.
DOZE MAGAZINE: Háblanos de tus inicios en el sector de las bellas artes ¿Cómo surgió tu interés hacia el diseño y la ilustración?
ÁLVARO TAPIA: Desde pequeño me he interesado por la actividad creativa. Siempre dibujaba y hacía collages. Mi padre tenía muchas revistas de arquitectura y publicidad, así como libros y reproducciones de arte moderno que, sin duda, influyeron en mi decisión de estudiar alguna carrera creativa.
Inicialmente quería estudiar arquitectura, pero inicié mis estudios de diseño en la Universidad de Valparaíso (Chile) y me di cuenta de que era esto a lo que me quería dedicar.
Al final de la carrera, junto a unos compañeros, nos interesó explorar el formato audiovisual y para mi proyecto de fin de carrera trabajé en un proyecto de animación. Después de unos años quise profundizar en la imagen en movimiento y entré en la Escuela de Cine de Chile, donde me especialicé en Postproducción.
En cuanto a la ilustración, es algo que nunca había explorado y empecé a trabajar en ello de manera personal hace un par de años al llegar a España, de un día para otro, sin motivo aparente y desde entonces ha sido mi principal actividad.
DM: Podría decirse que la meta de cualquier artista plástico es la culminación de un lenguaje visual propio ¿Cómo has llegado a conseguir el tuyo? ¿Cuáles son tus precedentes y a qué artistas predilectos les darías las “gracias”?
AT: He tratado de ir desarrollando algún tipo de lenguaje personal, pero creo que ha sido la consecuencia de utilizar las herramientas de mi trabajo como diseñador, como el dibujo vectorial o las formas geométricas, sumado a la aplicación de manchas o texturas hechas a mano con pigmento sobre papel. Eso en cuanto a la técnica. Con respecto al contenido, me interesan las imágenes inquietantes, los personajes grotescos y lo visceral en contraste con una estética mas "pop", con imágenes de estrellas de cine, moda o una visión de diseño utilizando una paleta de colores saturados y contrastados.
Estuve viviendo con mi mujer un par de meses en Manchester. Esta ciudad y su atmósfera influenció enormemente en mi trabajo. Es una ciudad muy estimulante para el trabajo creativo. Su ambiente industrial, el clima, la vida urbana y cultural, la individualidad y el estilo de las personas. Pero lo que realmente me llamó la atención fueron los personajes marginales, outsiders, borrachos y enajenados que circulaban por el sector donde vivíamos.
Otra cosa que me influenció es un cuadro del artista de Manchester LS Lowry, Head of a Man (with red eyes), esa expresión de angustia y gran tensión emocional realmente me impactó e influyó en la forma de trabajar las expresiones en mis retratos, sobre todo los ojos.
Soy un admirador de la obra de Francis Bacon, Lucian Freud, Paula Rego y Jenny Saville. Sus obras me impactan y estimulan.
DM: Cuéntanos como es el proceso de creación de tus proyectos. ¿Qué materiales utilizas y cuánto tiempo aproximado inviertes en cada obra?
AT: Generalmente parto de una imagen fotográfica o impresa y hago un trazado con un programa vectorial. Este proceso, que es mas bien mecánico, me sirve para pensar en el desarrollo de la pieza. A veces sigo las lineas del original y otras voy distorsionando o geometrizando algunas partes. Es como el esqueleto de la pieza. Principalmente utilizo acuarela sobre papel para las texturas que luego las digitalizo y voy componiendo en capas en Photoshop hasta llegar al resultado final. A veces utilizo las lineas del vectorial sobre el resultado final.
El tiempo depende del grado de complejidad de cada pieza o lo que tardo en encontrar el resultado satisfactorio.
DM: El color juega un papel fundamental en tus trabajos. ¿Si pudieras asesinar a alguno, cual sería? ¿Y por el contrario, cuál es tu favorito y por qué?
AT: Sí, la verdad es que me gusta trabajar con colores vivos, saturados y vibrantes... que el color también sea un grito. Los colores funcionan por combinaciones, por armonía o contraste. Por lo tanto, un color funcionará de acuerdo a la relación que se establezca con el que lo acompaña. Entonces no podría asesinar ninguno porque seguramente siempre funcionará en combinación con algún otro color.
En cuanto a favoritos, tengo cierta predilección por los tonos anaranjados en combinación con los azules verdosos.
DM: Cuando te enfrentas a un lienzo en blanco ¿qué es lo que más te estimula?
AT: Mi trabajo es digital, por lo tanto mi lienzo en blanco es mi espacio de trabajo en el software que esté utilizando. Como generalmente parto de alguna imagen, ese lienzo en blanco automáticamente está lleno. Lo que si es estimulante es el proceso y la búsqueda de soluciones para llegar a un resultado final con carácter propio.
DM: En una gran parte de tus retratos, hemos podido observar una clara tendencia a la exageración de las expresiones, mezcla entre lo cómico y lo macabro ¿Qué pretendes expresar a través de estas series?
AT: Me gusta poder lograr que las imágenes sean en cierta medida inquietantes. Lograr esa mirada siniestra en un plano muy colorido o una expresión macabra en una imagen "amable". Buscar esa cosa extraña, esa sensación incómoda.
DM: Eres un artista multidisciplinar. Además de tus trabajos plásticos, realizas material gráfico corporativo, diseño web y motion graphics ¿Cómo te introdujiste en el sector laboral como creativo?
AT: Es el resultado de una formación multidisciplinar en diseño y creación audiovisual. Cada una de estas áreas tiene diferentes especialidades, dentro de ellas y entre ellas se complementan. Cuando terminé mi carrera de diseño, trabajé como freelance por unos años. Luego, mientras estudiaba cine, trabajé realizando todo el material gráfico y web de la misma escuela para financiarme los estudios. Más tarde formé, junto a dos socios, un estudio de diseño y producción audiovisual en Valparaíso, Chile (Monomov), donde trabajamos en proyectos para empresas en el área gráfica y audiovisual.
Posteriormente trabajé como Director de Arte para una agencia en Madrid y hace un año mas o menos, estando en Manchester, de pronto surgió interés en mi trabajo de ilustración y desde entonces me dedico principalmente a la ilustración como freelance.
DM: ¿Crees que es fácil encontrar un equilibrio entre lo personal y lo comercial? ¿ En tus trabajos por encargo sientes tu libertad creativa limitada?
AT: Es fácil cuando te llaman para realizar un trabajo comercial porque les gusta tu estilo de ilustración y quieren que hagas algo en esa misma línea.
Es fácil cuando tu cliente sabe lo que quiere y confía en tu criterio profesional.
Es difícil cuando tu cliente no sabe lo que quiere y no confía en tu criterio profesional.
DM: ¿Tienes algún proyecto cercano en mente del que puedas adelantarnos algo?
AT: Bueno, vuelvo a mi país pronto y eso me tiene un poco inquieto en cuanto a los proyectos que quiero desarrollar. Por lo pronto, me gustaría retomar mi actividad audiovisual, desarrollar algún proyecto en esta área y seguir trabajando en ilustración.
DM: Eres chileno pero resides en Granada en la actualidad ¿Cuál fue el motivo de tu instalación en tierras españolas?
AT: Me vine acompañando a mi mujer que está realizando su tesis doctoral.
DM: A nivel creativo ¿Qué opinas de España, crees que es un país con oportunidades para los artistas emergentes?
AT: Creo que con internet esto de las oportunidades en tal país está desapareciendo. Yo soy de Chile y vivo en España y la mayoría de los proyectos que estoy realizando no están relacionados con ninguno de estos dos países.
Entonces creo que las oportunidades están en cualquier lugar y la misión de cada uno es buscarlas donde estén y no restringirse a un lugar geográfico.
DM: ¿Eres de los que lleva siempre papel y lápiz para abocetar en cualquier parte o tienes un lugar predilecto para esperar a la inspiración?
AT: No, me gustaría ser de esos que llevan siempre lápices y bocetean, lamentablemente no lo soy. Creo que todo lo que nos rodea es un estímulo o una inspiración para el trabajo creativo. Estas en internet ojeando mil páginas mientras ves la televisión o escuchas la radio y observas las cosas que pasan a través de tu ventana mientras conversas con tu pareja o tus amigos… estamos sobreestimulados.
DM: Un consejo para los lectores de DOZE que se están iniciando en las bellas artes…
AT: Por experiencia propia, que sean constantes, que se creen un sitio web o un blog y promuevan su trabajo a través de internet.
Si quieres disfrutar de la obra completa de Álvaro Tapia te invitamos a conocer su página web: www.alvarotapia.com
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